妙笔书屋

第80章（第1页）

美国画家安奴茨基耶维奇作于1964年。画布上液质颜料。122×122厘米。纽约西得尼·詹尼斯画廊藏。作品的特点是用直线与透视方法，造成幻觉的深度和可逆转的性质。这幅作品中，作者利用中间方框向四周辐射亮色线条，造成闪耀和波动的效果，使画面有不断扩展之感。另外，他利用补色原理所造成的残缺现象，使红色底子上的绿色线条，在经过排列的并不断扩大的一系列正方形上闪烁跳动，这种强烈的色彩刺激使观者发生视觉疲劳并继而产生色彩和图形的颤动感。安奴茨基耶维奇的作品是欧普（光效应）艺术各类表现形式中的又一新样式。（徐虹）

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水流

水流（Current）

英国女画家莱利作于1964年。布面油画。135×150厘米。纽约现代艺术博物馆藏。莱利的艺术思想与瓦萨莱利近似，她认为艺术的使命不是叙述故事，表现感情或解释思想，绘画艺术作品应该探讨纯粹的视觉，排斥一切自然再现的图形，在纯粹色彩或几何形态中，以强烈的刺激冲击人们的视觉，使视觉产生种种错视效果。这幅作品中，莱利用一种反复平行的波状线纹，使观众产生流动的有空间的视觉幻觉。她主要运用黑白灰色构成画面，并以正面的或呈各种角度的系列化的符号这类抽象图形作带状和波状的配合，造成强烈的动感和水流状态。观看她的作品，会产生一种摇荡翻腾的错觉。与瓦萨莱利不同，她在画中增加了中间色调的变化，使幻觉更为强烈。（徐虹）

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奎瑟拉巴

奎瑟拉巴（Quiselarba）

美国画家斯太拉作于1964年。画布上涂高分子乳胶和金属粉。195.6×414厘米。这是斯太拉前期的典型作品之一，同时也预示了他70年代的半绘画半浮雕作品的某些特点。作者在这件作品中，把完全对称的几何线条图案，组织成简洁而富于变化的图形，在明亮底色上的这些整齐的深色线条构成有规律的间隔开的“V”形，并从画布的边缘向中心的“V”形靠拢，它富于系统性和构筑性。作品在均衡的对称性以及同一母题的重复运用上，有着它难以描述的与一般绘画作品不同的魅力。他所作的这种半浮雕式的作品打破了传统绘画、雕塑与壁饰的界限，体现了画家在寻找绘画作品新形式中的大胆试验。（徐虹）

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拼贴画

拼贴画（Piecing-and-Pasting Painting）

西班牙画家塔匹埃斯作于1964年。布上拼贴。35.6×55.9厘米。马撒·杰克逊美术馆藏。塔匹埃斯惯于将绳索、纸张和厚涂的色彩一起使用。这件作品中他把清漆、胶、熟石灰和沙子掺加上颜料，堆积成画面，使画面出现浮雕效果，再在表层进行拼贴加工。色调的变化使得大色块显得丰富，粗糙的底层肌理与细腻的中间块状物形成对比。塔匹埃斯认为绘画应该具有某种道德、伦理基础。他自己曾讲过，他的创作目标是“提醒人们认识自己，给他一个论题去思考，为他经营一次错愕，唤醒他走出虚假的世界这就是我在作品中尝试要做的。”塔匹埃斯早期受米罗和杜布菲等人的影响，并从这些艺术家的影响中创造出一种有魅力的戏剧性风格。（徐虹）

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州立医院

州立医院（The State Hospital）

美国雕塑家金霍尔茨作于19641966年。混合媒介物制成。365.8×243.8×304.8厘米。斯德哥尔摩现代博物馆藏。作品展现的是一个低等小病房的景象。在一张双层钢丝病床上躺着两个神志昏迷，全身裸露的男病员，他们的手被捆绑在病床上，保持着相同的姿态，脑袋竟然是用玻璃缸代替的，里面还游动着金鱼。作者曾解释，这两个人，一个是精神病人，另一个则是他自己。作品以极其写实的手法和荒诞离奇的组合造成了一种既怪诞又恐怖的效果，揭露了隐藏在西方现代文明背后的病态和人们的苦痛。（朱国荣）

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嗯，也许……

嗯，也许……（M-Maybe）

美国画家利希腾斯坦作于1965年。画布油彩。154.4×152.4厘米。德国科隆瓦拉夫·里兹美术馆藏。这是一幅用流行的连环画图放大画面制作的作品，画面上是一个巨大的女性面部，女子的脸及皮肤用很大的印刷网点构成，画家既不追求形象的真实性，也不追求个性，只是造成一种特殊的视觉效果。背景是现代城市中常见的建筑和器物的片断，黑、黄、红色的条块衬托出少女形体，使之显得明晰、醒目。他利用最平淡无奇的连环画和海报作为题材，以非个人的、中性的方法表现它们极有限的平涂色彩和非常结实精确的线描。也可以这样说；如果要对波普艺术基本前提下定义，利希腾斯坦的作品比任何其他美国画家都更为典型，因为他不仅仅爱好日常生活中的平凡琐事和现代美国工业化的率直形象，而且也将这种爱好推到极致。他并不像社会现实主义者那样去评论和抨击这些现象，也不像善于做广告者那样去扩大和吹捧，他似乎只是简单平淡冷静地述说：这才是我们所生活的那个世界，这就是我们的城市风景，这就是组成我们自身生活的各个部分。（徐虹）

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一把椅子和三把椅子

一把椅子和三把椅子（One and three Chair）

美国画家克索思作于1965年。由照片、木质椅子和辞书条目组成。82.2×37.8×53厘米、61.3×62.2厘米。纽约现代艺术博物馆藏。作品由几件物品综合组合：一把真实的木制椅子、一幅与原物等同大的这张椅子的照片、经过拷贝放大的有关椅子的字典释义文字。他将这些物品陈列在一起，试图在从实物的椅子到照片的椅子最后到概念的椅子的过程，使观者在最后离开展厅所得到的是有关这件作品的抽象概念。克索思的这件作品常被作为概念艺术的典型。克莱思认为不能把艺术限定在形态学的范畴之内，概念是难能用传统的造型来充分表达的，它只有在使用过程状况讯息的传达中来输送。艺术实际上是注重讯息和传达的，是以方法学来替代形态学的。属于概念艺术的艺术家不仅仅是创造者，而且同样也是诠释者和鉴定人。因为按照概念主义的原则：“实际的艺术品不是后来配上框子挂在墙上的东西，而是艺术家在创造时所从事的活动。”（徐虹）

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十字路的站：第十二站

十字路的站：第十二站（A Stop at Crossroads：Stop 12）

美国画家纽曼作于1965年。画布丙烯酸聚合颜料。198 ×152厘米。此作是纽曼十四幅系列作品中的一幅，他和其他许多色场画家一样，喜欢不断重复描绘一个特定的主题。纽曼开始进行他的色场绘画试验时，画面还是有一些松散的垂直、水平的几何形图案，以及一些椭圆形圆形交替出现。但是在这幅作品中，纽曼的创作样式已经大大简化，巨大的画面上涂了强烈的单色，成为一种统一的色域。画面中用一条垂直的、狭窄的对比色将平涂的画面分割。这种方法在形式上使人联想起蒙德里安和马列维奇的冷静和严谨，但是效果十分不同，关键在于这根直线的性质，作者将它描绘成边缘不规整的形状，它并不具备图像的性质，只是分割画面的需要，它使画面产生了空缺的效果，使画中的色块与色线产生互相作用的关系，好像占主体的色面被撕裂开来，使眼睛一下抓住了某些表层下隐藏的东西，因而色面反而有向外扩延的趋势，似乎是一个能开合的结构空间，这也是纽曼利用视觉心理语言的诱导所造成的活跃的错觉效果。纽曼的作品显示了美国现代艺术中对于无节制地宣泄个人感情倾向的厌弃，是对抽象表现主义的反拨。这一组单色作品曾被誉为对于隐蔽的生命意义的探求，一般观众很难从画面上感受到这种探求的性质，但它说明了越是单纯化的形式，越有可能引发人们玄妙的想象。（徐虹）

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