妙笔书屋

第88章（第1页）

表现主义（Expressioni**）

20世纪初盛行于德奥的艺术思潮，在音乐领域内产生的相应的艺术表现流派。代表人物是被称为“新维也纳乐派”的三位作曲家勋伯格、贝尔格和韦伯恩。表现主义音乐是对印象主义音乐的反诘。在西方艺术传统中，拉丁民族常热衷于刻画外部世界的奇幻色彩，而德奥民族则注重内心世界的精神探究。这一传统在20世纪的历史环境和文化氛围中又有了进一步的发展。法国自1870年德法休战后迎来了长时期的和平，社会的相对安宁导致了表面繁华的歌舞升平，“世纪末”思想四处蔓延，精致而赏心悦耳的印象主义音乐正好满足了人们普遍要求的以感官享受为主的艺术趣味。相反，同时期的德奥正面临着新的历史嬗变，社会矛盾空前激化，危机意识笼罩着知识阶层。敏感的作曲家像其他艺术家一样，他们急切地要把内心的深层复杂情感表现出来，正如勋伯格指出的那样：“艺术家为之奋斗的只有一个最伟大的目标，就是表现他自己。”

在艺术风格上，表现主义作曲家同浪漫主义作曲家一样强调音乐情感的表现意义，但摒弃了浪漫主义音乐柔情、华丽的美感特征，而强调一种富于激情的夸张品质。为了使作品具有震撼人心的戏剧性力量，表现主义作曲家有意突出尖锐、刺激和怪诞的音响效果：大量运用不协和和弦、旋律的大幅度跳进、自由多变的节拍节奏和追求各类乐器极端音区的奇特音色。表现主义音乐中最具创新意义的是形成了无调性的结构布局，这一崭新的音乐表现形态首次向西方几百年来以大一小调为主体的音乐思维传统以及相应的审美习惯发出了挑战。无调性音乐的进一步发展，便导致了“十二音作曲法”的产生，对表现主义作曲家来讲，这种强调理性思维控制的作曲技法是为具有非理性特质的内省性表现意念服务的。表现主义音乐的代表作有：勋伯格的《管弦乐曲五首》，歌剧《期待》和《幸运之手》，《月光下的彼埃罗》、《乐队变奏曲》及《华沙幸存者》；贝尔格的歌剧《沃采克》，《小提琴协奏曲》；韦伯恩的《室内乐曲五首》和《乐队变奏曲》等。（孙国忠）

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新记谱法

新记谱法（New Notation）

泛指20世纪以来现代音乐中所出现的各种新的记谱符号及记谱体系。在传统记谱体系中，可精确测定的音高及时值始终居于核心地位。20世纪以来，随着无固定音高的打击乐器及噪音因素的大量引入，无调性音乐、电子音乐、音色一音响音乐以及机遇偶然音乐的发展，对即兴演奏成分的强调，对力度、音色、奏法等难以测定其精确数据的参数的日益重视，以及音乐的和声、节奏一时间比例的日益复杂，促使作曲家们创造了许多新的记谱方法以适应音乐语言发展的需要。据统计，这些新的符号已逾千数。在这些新的尝试中，某些记谱方式可视为对传统记谱法的简化，如将所有移调乐器均按实音记谱，或在“裁剪式”记谱法中，将所有休止的声部都一律删除等，均属此类。另一些则是对于传统记谱法的补充，如各种微分音程的新标记，或用各种象形符号来标志不同乐器声部，或用文字提示、用相应符号标明不同奏法、力度及音色效果等等。但也有相当一部分新的记谱方式，以某种程度的不确定性和多义性为其追求的目标，以获得更为多样、生动的效果，从而几乎完全脱离了传统记谱体系的框架。按精确程度上的差异，现有的记谱方式大致可以分为以下六类：

一、精确记谱法。约占新记谱符号的三分之二以上。无论其记谱方式如何繁复、新奇，但通常的具有明确的值的限定性。

二、行动提示记谱法。它并不具体标明作曲家所希望达到的音响效果，而仅规定为实现这种效果所须采用的技术手法。如：指定演奏者用何种工具，以何种方式，在乐器的何种部位演奏，或在机遇偶然音乐中要求表演者作出何种动作等等。它常常是精确记谱法的一种补充。

三、框架记谱法。它仅确定一个具有相对伸缩余地的界限，而允许演奏者在规定范围内享有一定程度的自由，例如：演奏者可在作曲家指定的若干音或音组中作自由的选择，其先后顺序亦可任意颠倒；或可仅指定某段音乐的总体持续时间，但在这一时间框架内，却允许在节奏组合及速度变化上享有充分自由；甚至，可允许演奏者在指定的若干演奏法中自行抉择。

四、近似值记谱法。它并不给予演奏者以详尽具体的指示，而仅指定音乐总的性质，或仅给予极其粗略的限定。如：仅指定音区但并不标明具体音名及音数的音束标记；用箭头表示泛指的“最高”或“最低”音；按音符排列的视觉疏密程度来测定其大致节奏比例；用符头的大小、符尾速线的粗细代表力度大小，等等。

五、图形记谱法。仅见于机遇偶然音乐中，常用大量往往难以索解的斑点、线条、块面或抽象的图案构成。其间偶或夹杂着传统记谱符号因素，但这些符号已失去了它们的约定性，而与其他图形一样，仅作用于视觉上的联想，成为激发演奏者直觉冲动的“诱发因素”。但其总体图形的造型，常可使人引起某种音乐进程的联想。如：某种暗示着时间轴和一定的空间秩序的图形结构，可使演奏者获得有所遵循的时空坐标；点状或线状的图形，可理解为点描化或线条化织体；块面体积上的差异，可表明强度上的区别，等等。

六、音乐图形。其构成因素及表面形态与图形记谱法相仿。但在其构图中几乎没有任何可以使人按照通常的“乐谱”来理解的痕迹，其整体都由非限定性所主宰。因而，在这里，记谱法已从一种离开它所标志的客观实体便没有任何独立存在意义的符号体系，变成了完全可脱离音乐而存在的独立审美实体。（杨立青）

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十二音音乐

十二音音乐（Twelve Tone Music）

指运用十二音技术（体系）创作的音乐。十二音技术是勋伯格在经过十余年自由无调性试验之后，于1921年左右形成的作曲技法。19世纪末，许多作曲家为寻求音乐语言及表现方法的新途径，从各个方面包括旋律、和声、节奏、结构进行尝试。重要的有：德彪西的全音阶、半调性平行和弦；斯克里亚宾的神秘和弦；勋伯格的四度和弦和自由无调性；兴德米特的十二音音阶，等等。最终由勋伯格创立的十二音技术以十二个半音处于同等重要的平等地位为基础，不分主从，构成依次包括十二个半音的音列。在所有十二个音全部出现之前，任何音不得重复出现。音列可以移位至其他十一个音高位置，并具有倒影（又称转位）、逆行、倒影逆行共四种形式，总共可得12×4=48式。它们是作曲家用作音乐的旋律（横向）与和声（纵向）的全部音高结构基础。十二音音乐代表作主要包括勋伯格本人及其弟子贝尔格和韦伯恩的作品。勋伯格晚年创作对十二音技法业已开始较自由化的处理，如《华沙的幸存者》。贝尔格在其《小提琴协奏曲》等作品中则赋予这一技法以相当程度“有调性”的浪漫主义气息。而韦伯恩进一步发展了“点描”技术，使音乐结构形态发生更具革命性的变化，赋予每一个音高、时值、音色、力度以其本身所示之意义。他的晚期作品致力于高度浓缩化的音列的研究。原来的十二音音列又被分割为互相对称的两组（每组六音）、三组（每组四音）、甚至四组（每组三音）。在最典型的“浓缩音列”中，序列的全部四种形态：原形、倒影、逆行、倒影逆行，被包括在一个十二音音列之中。十二音音乐对欧美现代音乐发生极大影响。后来布列兹、史托克豪森、贝里奥等人进一步把十二音音乐发展为“整体系列音乐”。（赵晓生）

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音列

音列（Note Row）

在自然音体系中，原指按照音高排列的一系列音；同时又指作曲家用作乐曲基础的音符排列。在20世纪初奥地利作曲家勋伯格创立了自己的十二音音乐体系和作曲技法，取代了传统的曲调、和声和节奏的规则。他认为，十二音音乐中，每一音列包含十二个半音，所有的十二个半音应处于绝对平等的地位。十二音音乐最根本的一条规则是避免音的重复，即在音列结束前不应重复其中任何一个音，每个音必须在其他十一个音都出现后才能再次出现，以免形成调性中心。但它们的节奏是可以重复的；另外，音列中的任何一音还可以比原来的高或低一个八度，整个音列可以在任何较高或较低的音位应用。（乐丁）

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多伦多交响乐团

多伦多交响乐团（Toronto Symphony Orchestra）

1908年创建于加拿大多伦多。正式成立于1923年。首任指挥为克尼兹。1931年至1956年期间，麦克米伦接任乐团的常任指挥和音乐指导后，乐团演奏水平显著提高，进入新的发展时期；1965年指挥家小泽征尔接任成为乐团的新的“灵魂”人物；小泽征尔卸任后，从1969至1974年，先后有捷克指挥家安杰尔、英国指挥家安德鲁·戴维斯接替乐团常任指挥席位。乐团以其明亮华丽的音色和充满活力的演奏，给听众留下深刻的印象。70年代中期，该团曾来中国访问演出。（乐丁）

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未来主义

未来主义（Futuri**）

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